Diego Velázquez

Diego Velázquez es uno de los principales maestros de la pintura del siglo XVII, representante significativo del Siglo de Oro español. Alcanzó su mayor fama como pintor de la corte de Felipe IV. Diego Velázquez ejerció una gran influencia en el desarrollo del arte en España y en el mundo en general. Hablamos de un hombre que se consagró como innovador en la creatividad. Su obra se inspiró en numerosos artistas de la época romántica, así como en los impresionistas franceses y en el famoso Pablo Picasso.

Biografía y primeros años

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez nació el 6 de junio de 1599 en Sevilla (España). Aunque en algunas fuentes se señala esta fecha como la del bautizo. Los padres del futuro artista se llamaban Juan Rodrigues y Jerónima Velázquez, sus antepasados procedían de Portugal. De este país se trasladaron a España. La boda de la madre y el padre de Diego tuvo lugar en Sevilla, en la iglesia de San Pedro, en 1597. Más tarde, la pareja bautizó a su primogénito en esta iglesia. Diego es el hijo mayor, sus padres tuvieron ocho hijos.

En la Andalucía de la época era costumbre que los herederos mayores llevaran el apellido materno en lugar del paterno. Diego y su hermano mayor Juan, que también eligió el camino artístico, también lo siguieron. Pero hay muestras de firmas del famoso artista, donde utilizaba ya el segundo apellido «Silva Velásquez».

Las habilidades de Diego para el dibujo se manifestaron a una edad temprana. A la edad de 10 años fue a estudiar en el taller de Sevilla de Francisco Herrera el Viejo, pero se quedó allí por poco tiempo, porque no podía llegar a un acuerdo con el carácter difícil del mentor.

El padre de Diego deseaba mucho que su hijo mayor se hiciera abogado o escritor, pero él prefirió el camino de la pintura. El joven artista no toleró la formación, acompañada de bofetadas, por lo que abandonó el estudio de Francisco Herrera el Viejo y en 1611 encontró un nuevo maestro, mucho más paciente. Se trataba de Francisco Pacheco. Fue este hombre reveló el talento del futuro maestro de la pintura, cuyo nombre ahora conoce el mundo entero.

Francisco Pacheco ejerció una gran influencia en la formación del estilo artístico de Diego Velázquez. El alumno plasmó la visión del mundo de su maestro en sus primeras obras, para las que posó a los muchachos que vivían en el barrio, así como a criadas y personas que visitaban las cervecerías.

Miembro del gremio de artistas de Sevilla se convirtió Diego Velázquez a principios de la primavera de 1617. Pasó con éxito la prueba en forma de exámenes, se le concedió el título de maestro. Y un año más tarde Diego se casó con la hija de Francisco Pacheco, fortaleciendo así aún más la relación con el maestro.

Al principio, Velázquez se aficionó a escribir pequeñas escenas de género llamadas bodegonas, que tenían lugar principalmente en tabernas. Los españoles de la época eran muy aficionados a este tipo de establecimientos, a los que acudían tras una ajetreada jornada de trabajo. En las tabernas bebían cerveza, charlaban con los amigos, comentaban las últimas noticias.

Pero los críticos no hablaban bien de las obras del joven artista. En su opinión, las personas de los lienzos no parecían vivas, sino pasadas. Mucho mejor Velázquez logró naturalezas muertas.

Pintor de la corte y el trabajo en la corte

Un punto de inflexión en el destino de Diego Velázquez fue la llegada a la corte del rey Felipe IV, donde fue nombrado pintor de la corte. El joven pintor no tardó en ascender a las órdenes del rey. La vida en la corte y el mecenazgo monárquico afectaron a su estilo y temática.

Al mencionar al monarca español Felipe IV, surgen inmediatamente asociaciones con los retratos creados por Diego Velázquez. Las hazañas del rey son recordadas exclusivamente por los historiadores, y el nombre del talentoso artista resulta familiar a todos los amantes del arte.

Es poco probable que Velázquez hubiera podido desarrollar plenamente su talento si no se hubiera convertido en artista en la corte de Felipe IV. Es muy probable que se hubiera dedicado a pintar cuadros de temática religiosa, innumerables retratos de aristócratas. Perseguido por los ingresos, que siempre deprimen las ideas creativas, a menudo no satisfecho con los clientes de mentalidad conservadora. El destino unió a dos personalidades extraordinarias: Felipe IV, que se convirtió en uno de los mejores monarcas de la historia de España, al frente del país hasta 44 años, y el notable pintor Diego Velázquez. El artista pintó retratos del rey y de miembros de su familia.

El reinado de Felipe IV se llama el Siglo de Oro de España, y la obra de Diego Velázquez - «La Edad de Oro de la pintura española».

Todo comenzó cuando Diego Velázquez se trasladó a Madrid en 1623 invitado por su mentor Francisco Pacheco. El maestro pidió ayuda a su influyente conocido, el conde Olivares. Este último era el segundo hombre del país después del monarca. Los servicios de Olivares a España son verdaderamente grandes. Consiguió erradicar casi por completo la corrupción con la prostitución, pero esto fue, recordemos en el siglo XVII. Olivares a petición de Pacheco hizo una petición al monarca, y Velázquez consiguió un trabajo en palacio, dedicándose a pintar retratos de las personas más influyentes y famosas del país.

Lo primero que hizo Diego como muestra de gratitud fue pintar un retrato de su benefactor, y este cuadro impresionó al monarca. El rey le encargó que pintara su propio retrato, pero desgraciadamente este primer cuadro no ha llegado hasta nuestros días. Velázquez fue nombrado pintor de la corte, se le concedió el estatus más alto posible. Sólo a él se le confiaba la realización de retratos del monarca. El artista, junto con sus familiares, se instaló en palacio.

Por aquel entonces, aún era muy joven y no tenía méritos especiales para la pintura. Así fue como, sin ningún esfuerzo, consiguió convertirse en pintor de la corte, a pesar de que había mucha gente que quería conseguir ese cálido puesto. Es probable que el monarca viera en él no sólo a un pintor de talento, sino también a un amigo. Podía pasarse horas posando para el artista, lo que requería mucha resistencia.

El estudio de Velázquez estaba situado en los aposentos de palacio y la llave del mismo sólo la tenían el pintor y el rey. Felipe IV lo visitaba a menudo, le gustaba contemplar las obras inacabadas del artista. Con su amigo, el rey era honesto y franco, ya que nunca le halagaba. El monarca consultaba a Velázquez sobre muchos asuntos, especialmente le gustaba tratar el tema del arte.

Pronto se concedió al artista el título de chambelán primero, de intendente después, y unos años más tarde el rango de Ober-Gofmarshal. Cuando Velázquez apareció por primera vez en la corte, fue tratado como un artesano ordinario, pero la situación cambió rápidamente. Felipe IV hizo de Diego su favorito.

Un día llegó a Madrid Rubens, el pintor más famoso de la época. Conoció a Velázquez y le convenció de que viajara a Italia para estudiar las obras de los artistas locales. Diego aceptó, pero el viaje no fue feliz. Los habitantes de Italia le trataban como a un funcionario, y algunos le tomaban por un espía - se comunicaba con Velázquez con cortesía, seleccionando cuidadosamente las palabras en las conversaciones. Pero Diego vio las obras de Tiziano, que influyeron significativamente en él.

Después de volver a España, la manera de escribir de Velázquez se hizo más brillante, empezó a utilizar tonos claros - azul con amarillo. Esto aportó gran belleza y vivacidad a sus obras.

A su llegada de Italia, Velázquez fue informado de que el monarca no permitía que otros artistas pintaran sus retratos. Diego se sintió muy satisfecho. Se dedicó con celo a esta tarea. Le gustaba especialmente retratar al joven heredero del rey, Baltasar Carlos. Estos cuadros fueron regalados después a los monarcas de los principales países de Europa, con la esperanza de concluir posteriormente un acuerdo favorable para las dos dinastías de la unión.

Pero los retratos de la esposa de Felipe IV, Isabel de Borbón, pintados por Diego Velázquez, casi no existieron. Ella tenía una actitud negativa hacia Olivaresu y trasladó esta actitud a su protegido en la persona del artista. La mayoría de las veces Velázquez pintó al monarca en persona, eligiendo hábilmente el ángulo en forma de tres cuartos para disimular los defectos de apariencia causados por los estrechos lazos de sangre.

Legado creativo: obras clave

A Diego Velázquez se le atribuye un gran número de obras que hoy se conservan en los principales museos de España y del mundo. Una de las más famosas son las Meninas. De gran importancia para la historia del arte, posee un simbolismo único.

Velázquez la pintó en 1656, actualmente se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, en España.

Es la última obra maestra de una serie de obras del destacado pintor español. El cuadro representa a miembros de la corte española en el antiguo salón principal de los Reales Alcázares.

El lienzo hipnotiza a casi todo el que lo ve, entrelazando la ilusión con la realidad. Tal vez por eso las Meninas se consideran uno de los cuadros más importantes del arte occidental. En él aparecen la niña Margarita Teresa, el propio pintor, las damas de honor, una dueña, un guardia, dos enanos y un perro. En el reflejo del espejo del fondo se distingue al monarca con su esposa, en cuyo retrato estaba trabajando Velázquez.

«Retratos de la Familia Real» - una serie de pinturas, la peculiaridad de los cuales es una mayor atención al detalle, el realismo combinado con profundidad psicológica. Especialmente notable es el «Retrato de Felipe IV con traje marrón y plateado», pintado en 1635. El cuadro se conserva en la National Gallery de Londres, en el Reino Unido.

Los investigadores de la pintura creen que Velázquez pintó un total de 34 retratos del monarca. El primer cuadro de esta serie no ha sobrevivido, por lo que éste se considera el modelo de todos los demás retratos de Felipe IV, creados en la década de 1630.

Velázquez lo pintó tras su primer viaje a Italia, y está ejecutado en una gama de colores más suaves. Aquí se traza claramente la influencia en Velázquez de los maestros de la escuela veneciana.

«Venus con espejo» - una obra única para la pintura española de la época, que representa un cuerpo desnudo.

Se supone que el lienzo fue creado en el periodo de 1647 a 1651. Ahora se conserva en la National Gallery de la capital de Gran Bretaña. Su segundo título es El tocador de Venus. Es una de las obras más enigmáticas de Velázquez. Es el único cuadro que se conserva de él que representa un cuerpo femenino totalmente desnudo.

Velázquez no pintaba este tipo de lienzos, ya que la Inquisición española tenía una actitud negativa hacia este tipo de pintura. Diego trabajaba en la corte, por lo que una pintura de este tipo le fue perdonada. Existe la versión de que se inspiró en el cuadro «Venus dormida», realizado por Giorgione en 1510. Según otra versión, el prototipo fue la obra de Tiziano «Venus de Urbino».

La Rendición de Breda («Las Lanzas») representa escenas militares y tiene un contexto histórico. Su periodo aproximado de pintura es 1634-1635. El cuadro se conserva en el Museo del Prado de Madrid, España.

Su segundo título es «Las Lanzas». El cuadro representa un momento clave de la Guerra de los Ochenta Años (1568-1648): la victoria del ejército español en el sitio de Breda (Países Bajos) en 1624.

Se cuenta que la llave de la ciudad cambió de dueño, pasando de los holandeses a los españoles. Los personajes de este cuadro son el general genovés Ambrogio Spinolu y el caudillo holandés Justino de Nassau.

Estilo e innovación en la pintura

Sobre el estilo único de Velázquez - una combinación de realismo y cuidadosa atención a la luz y las sombras dicen todos los conocedores de la pintura. A menudo utilizaba tonos claros y nítidos, tonos moteados y saturados, poses un poco ingenuas, pero expresivas, de los héroes de sus lienzos. Sus cuadros se caracterizaban por la autenticidad psicológica, el realismo y la naturalidad.

Velázquez tenía similitudes con Caravaggio. También utilizó activamente la técnica del sombreado claro, los tonos oscuros y sombríos, eligió temas toscos y realistas, sin rehuir el naturalismo. La luminosidad de su obra la adquirió tras un viaje a Italia. Tras ese viaje, Velázquez se decantó por los colores claros. Al principio, escribía con demasiada rudeza, no dudaba en demostrar las cosas ordinarias.

Su lema era: «Más vale ser el primero en el género áspero que uno de tantos en el fino».

El maestro de Velázquez fue Francisco Pacheco, que quedó fascinado por su tema, su extraordinario talento y sus cualidades anímicas. Amaba tanto a su alumno que le regaló a su hija, que por aquel entonces sólo tenía quince años. Un año más tarde, la pareja tuvo una hija, a la que llamaron Francisca. Ésta siguió los pasos de su madre casándose con el alumno de su padre, Juan del Maso.

La combinación de lo cotidiano con lo alegórico es una de las características clave de la pintura de Velázquez. Consiguió mostrar intrincados temas mitológicos, escenas de la Biblia en una interpretación naturalista. Como ejemplo, podemos citar los cuadros «La fragua de Vulcano», «Borrachos», «El triunfo de Baco». En los bocetos domésticos cotidianos de Velázquez, por el contrario, había una alegoría oculta. Esto es claramente visible en el cuadro «Bucaneros». Velázquez no perdió el interés por el género doméstico a lo largo de su trayectoria creativa. Hay un significado oculto en casi todas sus obras. Todo porque la alegoría es un componente integral de la época barroca, en la que a Velázquez le tocó vivir y crear.

Él mismo ejerció una gran influencia en los artistas de las generaciones siguientes: Manet, Picasso.

Se distinguió por una técnica única de trazo, trabajo con el color y la luz. Eran elementos innovadores para la época.

Los viajes y la influencia de los maestros italianos

El desarrollo de la maestría de Velázquez también se vio influido por sus viajes a Italia. Así como los contactos con artistas como Tiziano y Rubens. Su contribución a su técnica es muy grande.

Tras el primer viaje a Italia, Velázquez vivió el periodo más fructífero de su obra. Realizó lienzos de tema bíblico. En 1635 pintó «Cristo en la Cruz», que representa escenas de batallas. En el mismo periodo, Velázquez creó muchos retratos de aristócratas. La elevada posición del pintor en la corte envidiaba a sus colegas, que consideraban injusto este estado de cosas.

En 1627, tras regresar a Madrid, Velázquez fue convocado a un duelo creativo. La «competición» consistía en identificar al mejor artista, entre aquellos que intentaran representar la trama de la expulsión de los moriscos de tierras españolas. La victoria de Velázquez fue incondicional.

Realizó un segundo viaje a Italia en 1649. Ocupando una posición influyente en la corte del rey español, acudió allí como parte de una delegación diplomática. En ese mismo periodo fue escrita una de sus pinturas más famosas, «Venus con espejo». Existen varias versiones sobre su creación. Una de ellas dice que la modelo era la amante italiana del artista, que le dio un hijo.

Pero el principal resultado de aquel viaje a Italia fue el encargo de pintar un retrato del Papa Inocencio X. La obra fue ejecutada en 1650 y enviada al Vaticano, Velázquez fue honrado con una medalla papal.

De regreso a su patria, el pintor creó una serie de cuadros en el espíritu de los maestros italianos, que merecieron la aprobación del monarca español y decoraron el palacio. Desgraciadamente, esta serie de obras de Velázquez no ha llegado hasta nuestros días.

La importancia de Velázquez para el arte mundial

Velázquez fue el precursor del realismo y una de las figuras clave de la historia del arte europeo. Sus obras influyeron notablemente en los movimientos artísticos posteriores. Los cuadros de Velázquez siguen inspirando a los artistas contemporáneos. Sueñan con tenerlos en sus colecciones conocedores del arte de todo el mundo. Al contemplar los cuadros de este creador quieren filosofar en busca de significados ocultos.

Diego Velázquez es uno de los artistas más famosos del pasado. Es muy significativo para el arte, ocupa un lugar destacado en la historia de la pintura mundial.

Incluso después de su muerte, sigue confirmando el estatus de uno de los más grandes maestros de su tiempo y su época.